Your Story My Song

      冷门年年有，今年特别多。不按套路出牌似乎成了年过五旬的格莱美还唯一能与其他颁奖礼“划清界限”的招牌，只不过在这些冷门背后，各有各的心思，各有各的原因，哪怕看似没有原因，也算是格莱美这位“老人”舐犊情节的闹闹脾气。毕竟，这只是一届颁奖礼，爆冷并不代表不够优秀，获奖也不见得就是众望所归，做不到让每个人满意，才是每一个颁奖礼的真正魅力所在。

冷门之一

遗憾之冷，Arcade Fire挤掉Eminem斩获“年度专辑”

       没有颁奖礼不留遗憾的，图的就是成为日后歌迷津津乐道的“某某颁奖礼几大遗珠”，格莱美也不例外。在Eminem十项提名领跑但只斩获两项说唱类奖项面前，Katy Perry的三年颗粒无收就显得不那么令人同情了。Eminem的《Recovery》一度被众人预测，拿“年度专辑”只是个时间的问题，优秀的唱作、十余年行业资质、浪子回头的格莱美偏好，都成为“年度专辑”的不二之选，但偏偏格莱美的权威象征，就轻易地给了来自加拿大的资历尚浅的Arcade Fire，到底是显示出格莱美“无国界”一视同仁的公平包容，还是其对说唱类专辑的“偏见”，答案似乎很明显。即便Arcade Fire的《The Suburbs》再怎么优秀，在乡村大热组合的《Need You Now》与流行女王的《The Fame Monster》面前，也几乎可以以“太另类”而败北，又怎能与Eminem相匹敌。这样的爆冷，只能说是格莱美一帮老家伙故意留下的遗憾，这也不禁让Eminem更具传奇色彩。

冷门之二

不公之冷，年度制作Eminem再失重奖

       Lady Antebellum的《Need You Now》论资质拿这个奖其实并不过分，但冷就冷在Lady Antebellum已经有“年度最佳歌曲”以及乡村类的多奖认证，《Empire State Of Mind》也多奖加身，撇去《F**k You》的难登大雅之堂，在B.o.B 与Bruno Mars合作的的《Nothin' On You》和Eminem与Rihanna合作的《Love The Way You Lie》中，应该必有一首拿奖。而相较Bruno Mars的最佳男歌手肯定，以及Eminem还无重量级奖项的加冕，这个奖项理应收入Eminem手中，但格莱美最终将最佳制作给了《Need You Now》，此举并非破处排排坐分果果的嫌疑，而体现出格莱美不论是对说唱类奖项的设置、还是对于Eminem本身来讲，都有不公的痕迹。考虑到入围歌曲流行性与音乐性品质艰巨，因而，最佳制作爆冷不在于作品不好，而在于有失公正。

冷门之三

莫名之冷，Esperanza Spalding获最佳新人奖

       首先格莱美让Bruno Mars跳过最佳新人直接入围最佳男歌手，本来就是新人奖的一莫名其妙。最终得奖的还是冷中爆冷的Esperanza Spalding，参照历年最佳新人的获奖名单，今年的选择的确让人摸不到头绪。不给Justin Bieber也算格莱美评委理性表现的情理之中，Drake无论口碑还是创作能力都略差其几位，不拿奖还说得过去。但不给英国新人Florence & The Machine、Mumford & Sons就有悖前几届惯例，大大甩了英国人的脸，特别是Florence & The Machine被寄予了得奖的厚望，而且按照惯例，新人奖项是英国人获奖几率十分大的门类。但评委们就偏偏给了本国弹唱低音提琴的Esperanza Spalding，用“体现格莱美的音乐性”来解释实在是让人牵强。于是今年这个莫名其妙的新人奖在不给英国人面子之余，又一次体现了格莱美关起门来给自己人长脸的“狭隘之心”，即便格莱美是美国国家录音与科学学会所主持。

冷门之四

有因之冷，最佳男歌手Bruno Mars夺冠

     Bruno Mars在一帮要实力有实力，要话题有话题的“老人”当中决出出位，看似爆冷，实则有其内在原因。上届格莱美的主题就打着Michael Jackson的旗号，本届怎么也不可能再将最佳男歌手给他。而John Mayer的《Half of My Heart》资质平平，并非多么惊为天人，还一度以为是因Taylor Swift的缘故而照顾入围。至于Michael Bublé即便《Haven’t Met You Yet》优秀出众，但其本身似乎一直游离于主流听众的视线范围之外，Adam Lambert又太另类，的确不是格莱美评委的咖。Bruno Mars虽首次发声，实则在唱片界混迹已久，在如Flo Rida等许多大牌歌手的幕后多有才华展现，去年唱响世界的世界杯主题曲《Wavin’ Flag》就有他参与谱写，再加上其纯正的美国本土身份、又是集唱作于一身，符合格莱美一贯的“审美标准”，将最佳男歌手授予Bruno Mars也体现出格莱美想在欧美男歌手青黄不接的时代，将重任青（博客）睐在他身上的期待之心。

(本文来源：网易娱乐专稿 )

http://ent.163.com/11/0214/17/6SSCPBUF00034KTS.html

专辑名称：如果能...重来 @豆瓣
歌手姓名：黄小琥
发行厂牌：华纳音乐
发行时间：2011年1月14日
专辑语言：国语
专辑流派：Pop
商业指数：★★★☆ 文艺指数：★★★☆ 购买指数：★★★★

<不变又重来>
    10首台湾流水线上的惯例，将流行于经典熔于一炉，再次彰显出黄小琥无懈可击的演绎能力。一比一的复刻，对半分的情绪，不得不让人感叹，如黄小琥般的歌手最大的优势即在于可以以不变应万变。在太多流行歌手挖空心思释放流行张力之时，黄小琥只需往流行抑或经典稍一倾斜，便依然足以给出满意的成绩。从这点看，因为也正因为歌者是黄小琥，《如果能...重来》在流行度上的确做出了侧重，所以《如果能...重来》似乎依然可以复制《简单/不简单》的成功。而华纳所做的，似乎也仅仅是提供了一个打着双色光的舞台，但这个舞台是否长期保持不变，是否变的适度，也将会成为黄小琥今后延续成功与跨过藩篱的关键。

专辑名称：蔡依林Myself 2010概念专辑 @豆瓣
歌手姓名：蔡依林
发行厂牌：华纳音乐
发行时间：2010年8月13日
专辑语言：国语
专辑流派：Pop
商业指数：★★★★★ 文艺指数：★★★ 购买指数：★★★☆

<蔡依林：赢在意识的起跑线，守在音乐的里程碑>

整体看蔡依林这张意欲成为里程碑似的作品，尽管带着保守的色彩，尽管带着并不尽如人意的瑕疵，却不得不承认，这仍然是蔡依林及其幕后团队、用意识带动音乐性的又一次成功尝试。注重发挥意识的作用在蔡依林身上无疑是讨巧的，伴随着一次次的创新，也伴随着一次次的争议，团体的协作与蔡依林本身的能动性，无疑将蔡依林推上了华人女歌手的最高峰。或许，再过去几个时代，当我们回首二十一世纪初的华语天后时，首先想到的是标杆是蔡依林而不是别人，这就如同我们回首二十世纪下半叶，永远不能避开麦当娜的闪耀名字一样。这就是“意识”的作用，而对于蔡依林这个本身资质并不高的女艺人来说，这样“意识”带动的成功，无疑已经足够。
    而对于专辑正式的10首作品而言，从收歌的角度来讲，尽管水准参差不齐，但大的方向几乎没有偏差，风格的突破与旋律的上口并驾齐驱，展现出一幅向欧美常规乐风靠拢的姿态。在电音处下手无疑就是最好的体现，Synthesize-Pop几乎是近两年的一个大方向，比起市场上绝大多数作品刻意去“电”一把赶这趟快车，《Myself 概念专辑》将电音的可能性从主流的角度挖掘到了一个很不错的程度。从曲风来讲，Disco/Rap/Urban Rock/Exotic/情歌都有囊括，而有了五段Interlude的统一，多而不乱。但尽管有突破，专辑却仍然显示出“守垒”的划地自封，并不够纯粹。

专辑名称：跨时代 @豆瓣
歌手姓名：周杰伦
发行厂牌：JVR Music
发行时间：2010年5月14日
专辑语言：国语
专辑流派：Pop
商业指数：★★★★★ 文艺指数：★★☆ 购买指数：★★★☆

<周杰伦：尚未进行“跨时代”的探索> 
    对于像周杰伦这样在某一代、甚至几代人的成长过程中，有着特殊意义的歌手来说，在经历过十多年的历练后，依然能够回归到最初原点的道路上，本来就是一件令人钦佩的事情，单凭这一份长达十多年的音乐热情，《跨时代》也足以在情感程度上给一个及格底线。但是钦佩抑或感动终究不能作为论断音乐品质的筹码，那种“就是好来就是好”也只能成为铁杆儿歌迷自我心窝暖的良药。平心而论，自《依然范特西》开始，周杰伦一年一张的专辑就大有“春晚”的趋势——前进之中倒退。我们暂且抛弃乐评一贯喜欢指责商业化的姿态，并且也不去指责一两首口水歌拉动专辑的策略，我们只从“时间”这个概念去衡量周杰伦的专辑频率，这就足以显示其近几年捉襟见肘的致命点。
    在华语乐坛的大环境上，与其说“周杰伦的时代已经过去”，倒不如说“R&B在中国的时代已经过去”来的恰切。陶喆舶来的、周杰伦在中国发扬光大的R&B毕竟缺少本土上的“源头活水”，只能成为流行一时的风头，而不是向国外已经有数十年发展历史的成熟音乐体系。从这种程度上来说，中国的R&B现象已经持续的足够长了，培养出的一代又一代R&B受众无疑是周杰伦的功劳，但R&B也将如那些根植于Disco/House/Trance的流行舞曲一般，或许也将成为新一轮流行趋势的“牺牲品”，从近几年的趋势来看，R&B风格的新人数量已经日渐减少，Lady GaGa的影响更带动流行趋势一窝蜂舞曲化，就连周杰伦也不免在新专辑中加入电音的成分。
    对于周杰伦来说，他只负责做的部分而不负责听众的感受，这容易夜郎自大但也同样带有强烈个人风格。同时，周杰伦打破一年一度的“约定”并非坏事，事实上反而很有可能带动华语乐坛发片频率的整体调整，毕竟一张经典专辑要比三四张平平专辑来的更让人振奋。在这个金曲奖都可以把徐佳莹入围到“年度最佳专辑”的时代，华语乐坛早就没有了什么实质性的标杆，周杰伦“不做第一”其实也已经好多年。怎样能够探索出一条更符合自身、更“可持续发展”的音乐新模式，甚至带动华语乐坛整体体制的改变，才是真正的跨时代，也是真正“第一”所要有的责任感姿态。而这对于周杰伦来说，要比一张《跨时代》专辑音乐质量的好坏重要得多。

　　继2009年至今，内地的音乐节市场逐渐升温，仅“五一”假期期间，迷笛音乐节、草莓音乐节、朝阳公园中歌榜红五月音乐节、易县露营音乐节等音乐节在北京及其周边地区“扎堆儿”亮相；同期，第二届热波音乐节也在成都火热开场。而这还仅仅是一个开始，“五一”之后的音乐节更有百花争艳的架势，在5月至10月份的春夏季节，北京地坛民谣音乐节、西安“张冠李戴”音乐节、厦门海峡音乐节、张北音乐节、青岛金沙滩音乐节、爵士上海音乐节、天津群英会音乐节等等大小音乐节，都会绽放在全国各地的土壤上……

　　对于近几年一直处在寒冬期的流行音乐产业来说，音乐节的繁荣似乎只是一个热身，随之而来的全新流行音乐产业链已在悄然形成。

　　中国音乐节仍处在起步阶段

　　比起欧洲趋于成熟的流行音乐节产业来说，中国的音乐节从起步上就晚了将近40年。虽然近几年中国音乐节从数量上展现出较快的增长趋势，但整体的数量仍旧偏低，在规模、经营管理上更是没有达到成熟的水平。据草莓音乐节的创始人沈黎晖介绍，整个欧洲每年会举办上千个音乐节，其中仅德国一年就有500多个音乐节，但德国的国土面积仅仅算得上是中国的一个大省。即便从去年开始，中国音乐节在数量上有明显增多的趋势，但也仅仅有200多个，比起国外来说，差距很大，这说明中国音乐节的潜力仍有相当大的发展空间。

　　“中国的音乐节仍然处于起步阶段。”张帆和沈黎晖如是说。

　　“每个城市都应该有自己的音乐节，音乐节应该越多越好，但并不是越大越好，喜欢音乐的人找个公园，简单搭个场子，一块儿唱歌表演，观众有乐子，大家玩得开心这就是音乐节，音乐节应该成为一种生活方式。”迷笛音乐节的创始人张帆说：“目前在中国，音乐节还远远没有成为一种生活方式，诸多的音乐节主办方都希望朝大的方向去做，这也是中国音乐节不够成熟的表现。”

　　因此，不管是迷笛音乐节还是草莓音乐节，今年开始都将在在以往的基础上扩展“疆土”。以往每年一届的迷笛音乐节，今年除了在刚刚过去的“五一”北京站演出外，还将在“十一”期间亮相镇江；今年草莓音乐节在北京举行的同时，也将舞台扩展到了西安。这些现象再一次证明音乐节的举办在中国仍然大有潜力。

　　举办音乐节必须具备社会责任感

　　在市场化进程快速发展的今天，音乐节的举办也少不了商家助阵，如何做到音乐原汁原味的呈现与商业运作的平衡，已成为成功举办音乐节所必须要考虑的问题。

　　今年的草莓音乐节现场，随处可见赞助商的影子，从服装品牌到音乐品牌甚至汽车品牌，都有不同程度的彰显，今年草莓音乐节的舞台也比去年的舞台增多了两个。“从赞助商方面增多的收入全部用于了舞台的扩建。”沈黎晖作出这样的解释，“商业是一个不能避免的话题，但是草莓音乐节在选择品牌赞助商时，是有严格标准的，只有与音乐搭界的品牌我们才会考虑去选择，这也保证了音乐与商业的平衡。”

　　进入今年迷笛音乐节的现场，大到舞台的横幅，小到现场指导手册的内页，随处可见“低碳生活”的标语，迷笛音乐节更倾向于倡导一种社会意识的传播。

　　今年的迷笛音乐节引入了一个新的概念，通过购买碳额度，使音乐节不管是从耗电量、交通运输等方面，都保证二氧化碳的排放达到一个平衡指标。购买碳额度的资金将会给某个环保组织，或者是直接购买树苗种树，以此来抵消因为音乐节而产生的二氧化碳。今年的迷笛音乐节与致力于垃圾分类的环保组织C-Nature合作，既保证了现场的环境，又管理垃圾分类，利于资源的回收再利用。

　　“一场成功的音乐节必须具备社会责任感。”张帆说，“迷笛音乐节作为中国内地最大的音乐节，有义务承担这样的责任。”

　　以音乐节为核心的产业链形成

　　随着新媒体的发展，全世界范围内的音乐工业都在进行一次大规模的革新。以唱片为核心的音乐产业链逐渐断裂，以现场音乐为增长点的新型产业链正在形成。现场音乐以其丰富的感官享受带给人们的试听冲击越发强烈。

　　“音乐节是中国目前增长最快的现场音乐版块。”沈黎晖说。作为摩登天空唱片公司的总经理，沈黎晖在几年前开始尝试建立新的音乐运作链条。传统上，摩登天空唱片公司以专辑收入来维持音乐制作、发行的过程，但随着网络下载功能的冲击越来越大，唱片公司的专辑收入几乎为零，已经不足以赚回音乐制作的成本。

　　此后，以摩登天空音乐节与草莓音乐节为主打的现场音乐开始显现出积极的一面，沈黎晖尝试用音乐节的盈利来保证音乐制作以及歌手的音乐质量。同时，以高品质的音乐为资本、利用音乐节的舞台推出自己的艺人，吸引更多乐迷的目光，提高艺人的关注度，同时拉动艺人的现场收入、广告代言收入，再将其继续投入到音乐的制作当中，这样就形成了以音乐节为核心的新型音乐产业链。

　　“这种尝试颇有成效。”沈黎晖说，“就像5月份的春天气息一样，音乐节也带着我们走向了春天。”（文/梁晓辉）

原文刊于《人民日报海外版》

　　10年前，谈到音乐时，我们首先想到的是磁带、光碟；10年后的今天，在年轻人那里，音乐已经俨然成为Mp3和彩铃的代名词。人们享受音乐的同时，一把数字音乐的双刃剑已经极其果断地插入了传统唱片工业中。

　　数字音乐：脱离载体的革命

　　数字音乐，从字面上来看，是指在音乐的制作、传播及储存过程中使用数字化技术的音乐，主要表现为以电脑宽带为传播途径的在线音乐（又称网络音乐）及以手机为主要传播途径的移动音乐。

　　从早期的黑胶，到中期的磁带、光碟，音乐伴随着载体的发展，越来越广泛地走入人们的生活中。人们想要获得音乐，就不得不为有形的音乐载体付费。数字音乐的产生，恰恰将音乐从有形的载体中分离开来，使得音乐产品不再依靠胶片、磁带或者光碟存在，而是以数字化的形式广泛存在于网络、手机中。

　　从此，人们听音乐的渠道变得更加广泛，方式也更为便捷。繁多的彩铃、手机歌曲下载等音乐业务一时间成为人们标榜个性的新宠，大家不需要为了得到某首歌曲而必须购买整张专辑，而是以更加低廉、便捷的方式直接购买单曲。不知不觉中，科技培养了人们对于音乐更大的渴求度。国际唱片业协会日前发布了2010年的数字音乐报告，报告中提到：“目前全世界音乐产业有超过1/4的收入来自数字音乐，2009年全球数字音乐的利润上升了12%，达到42亿美元。”数字音乐似乎给业界打了一剂强心针。

　　然而，另一方面，数字音乐的劣势也显现出来，网络非法下载几乎将传统唱片工业逼到绝境，“实体唱片工业已死”的怨声不绝于耳。今年3月在上海召开的“真音乐的3.0时代”数字音乐峰会上，从业者纷纷为唱片工业的出路问题感到苦恼。面对数字音乐这个新生产物，现有的法律也受到了前所未有的强烈挑战，“高科技侵权”给执法带来了巨大困难，从业者在维权的道路上举步维艰……

　　纵观全球音乐产业发展历史，数字音乐取代传统音乐形式，是磁带取代黑胶、光碟取代磁带后，科技进步在音乐载体上的又一次体现，也是时代不可抵挡的趋势。在这场音乐脱离载体的革命中，也同样让“版权”这个唱片工业运转的核心遭受到前所未有的冲击，由此，全球唱片工业进入了未曾遭遇过的寒冬期。

　　手机音乐：救世之星

　　随着科技的发展，手机作为生活必需品展现出越来越多的功能性。其中，音乐作为手机的多种功能之一，是手机制造商和电信运营商首先开发的主打功能。从最早产生的彩铃到新兴的整首歌曲下载以及多种多样的手机音乐应用功能，音乐应用在手机的发展中一步步走向成熟，这也给了音乐工业一种全新的赢利途径。

　　内地最大的音乐制作公司——太合麦田音乐发展有限公司首席执行官宋柯，早在2004年就看到了手机音乐中存在的商业价值。2004年，宋柯买下刀郎作品在无线通信和互联网领域的版权，随后，再将歌曲卖给电信运营商作为彩铃。当年，仅彩铃下载一项就为公司带来了累计超过2000万元人民币的收入，是他们这一年传统实体唱片收入的好几倍。之后许多唱片公司纷纷看好彩铃的市场，在2005年至2008年的3年间，各种彩铃业务层出不穷，成为音乐市场人人觊觎的大蛋糕，给处于寒冬中的音乐产业带来了丝丝暖意。

　　随后中国移动建立了数字音乐发行平台，以多家唱片公司为内容提供商，以门户网站为平台、以彩铃和整曲下载为主要服务途径、手机为终端，形成了相对稳定的手机音乐发行模式，虽然依旧遭受网络非法下载的巨大冲击，但仍然取得了不小的收益。在这种情况下，不少歌手和唱片公司纷纷选择与中国移动合作，推出数字专辑。太合麦田音乐公司作为众多内容提供商之一，在与中国移动的合作中取得了相对可观的收益，占该公司总体收入的55%，这种成功模式为不少唱片公司所效仿。

　　据2010年全球音乐消费者调查报告显示，中国愿意为音乐付费的人数比例并不高。在参与调查的全球13个国家中，中国排名仅仅处在第10位，但在这些愿意为音乐付费的消费者中，进行手机整曲下载和付费手机音乐应用方面的人数，分别占到了总人数的27%和16%，这远远高于国际平均水平的12%和8%。数据表明，一些中国用户正在开始养成通过手机听音乐和享受各种音乐服务的习惯，手机音乐的前景依然非常可观。尽管手机音乐仍旧不能弥补音乐产业收益缩水的漏洞，但在网络非法下载的巨大影响下，它无疑如“救世之星”一般，给业界开辟了一条全新的盈利途径。

　　网络下载：唱片杀手

　　据有关资料显示，全球唱片工业在1999年至2009年的10年中缩水了一半，并呈逐年加速下滑趋势，而且这种状况在未来几年中不会得到改善。对于唱片工业形成较晚、规模较小的内地唱片业来说，情况甚至更加糟糕。

　　从上世纪80年代中期中国流行音乐产生开始，盗版就是令业界极为头疼的问题。在网络还未兴起的时代，内地市场上大量的音乐产品都是盗版，除了危害业界的整体利益外，更可怕的是盗版培养了人们听音乐“少付费”的不良习惯。而到了网络时代，这种不良习惯延续下来，变成了“不付费”的网络下载，人们习惯于在网上“搜索——试听——下载”的免费获取音乐的过程，但唱片公司作为内容提供商，在投入资金制作、满足人们音乐需求之后，不能获取任何收益。

　　“现在没有一家唱片公司以纯做音乐维持生存，做实体唱片是赔钱的买卖。”宋柯说，“传统上，唱片公司作为内容提供商，通过实体唱片的版权收入，维持音乐制作、营销、发行的过程。但在免费的网络下载时代，几乎没有人买唱片，实体唱片的收入几乎为零，整个传统运作的产业链断裂。”

　　不仅如此，受非法网络下载的冲击，唱片工业的不景气渗透到了行业的方方面面。北京精彩无限唱片行经理肖伟对于行业的衰落感受尤为深刻，“在10年的时间里，北京的唱片店从上千家减少到了几百家，而且这个数字依然在减少。”即便作为北京最大的唱片行，精彩无限唱片行实体音乐产品销售的营业额也在逐年下降，“从2008年9月至今，实体音乐产品的收入下降了30%，这个收入仅仅能够维持店面的正常运营。”肖伟说，“我们不得不考虑新的出路，比如尝试着向传媒业务方面发展。”

　　版权保护：有待完善

　　“在横行的盗版面前，似乎一切积极的尝试和探索都是徒劳。”饱受盗版困扰的宋柯非常无奈地说。

　　版权一直是音乐产业中最为核心的问题，严格的版权保护让音乐产业链得以健康运转。《中华人民共和国著作权法》对音乐的版权问题做出了细致的规定，数字音乐作为音乐的一种，虽然在传播方式和传播渠道上有所改变，但本质上并没有改变，仍然是上述法律保护的客体。

　　中国知识产权研究会高级会员王科峰认为，在中国的版权保护方面，法律并不缺失，但新技术的发展的确对传统的版权保护手段提出了更高的要求。在数字音乐时代，音乐的侵权行为主要存在于互联网上，侵权的手段、程度、表现形式各不相同，给打击盗版工作带来巨大的挑战，同时，海量的信息也给维权者带来取证方面的极大困难。再加上中国的数字音乐刚刚起步，在案件判罚时，缺乏可供参考的范例，这也成为维权者的困难之一。

　　有过多次维权经历的宋柯表示，“在维权过程中，我们所要支付的成本过高，而侵权者受惩罚的力度又不够。”据了解，在中国内地制作一张音乐专辑的费用大约在100万元人民币左右，一张专辑平均有10首音乐作品，平均到每首作品的制作费用大概在10万元，这也应当成为侵权者赔付的最低金额。但事实上，在我国为数不多的数字音乐侵权案例中，每首音乐作品所获赔的金额只有几千元，“还抵不过我们的维权成本。”宋柯说。

　　王科峰同样认为，我国现有的侵权赔偿标准普遍偏低，“这种情况不仅存在于音乐产业，在许多如电影产业、图书产业等遭受数字化革命冲击的产业中，也相当普遍。”王科峰说。在今年的全国政协会议上，“数字版权保护”成为从事文艺工作的委员们热议的话题，许多有关加强数字版权管理的议案纷纷被提出，也体现出各行业希望联手努力打击盗版的心愿。

　　事实上，伴随科技的发展，中国内地已经出台了一系列有关网络著作权的法律法规，加大了网络著作权的行政和司法保护力度，但这些法律法规和行业规则所取得的成效还不十分明显。“主要是执法力度不够。”王科峰说，“对于互联网上的侵权，仅仅从意识上和法律上重视是不够的，高科技侵权同样需要高科技技术手段的协助，国家、行业应该联合起来投入资金进行研究，形成技术上的监督与保障，才是解决问题的出路。” （文/梁晓辉）

原文刊于《人民日报海外版》